O Rushmore de Wes Anderson foi uma virada sombria e ousada em sua estética

O Rushmore de Wes Anderson foi uma virada sombria e ousada em sua estética

Tons pastel, mid-shots perfeitamente equilibrados, cenários cuidadosamente escolhidos e figurinos intrincadamente detalhados - essas são algumas das coisas que vêm à mente quando pensamos em Wes Anderson. Agora, sua estética é tão fácil de identificar que há toda uma Instagram conta com quase meio milhão de seguidores dedicados a lugares do mundo real que parecem ter saído de seu mundo. Mas enquanto o universo do cineasta é tão completa e esteticamente ele, nem sempre foi o caso. Anderson teve que aperfeiçoar seu ofício; os andersonismos que se tornariam sinais de uma peça de sua obra desde o primeiro cartão de título na tela. Rushmore, um filme sobre um aluno reprovado (Jason Schwartzman) obcecado por atividades extracurriculares, que faz amizade com um industrial e se apaixona por seu professor, que completa 20 anos este ano. O filme, o segundo de Anderson, é indiscutivelmente um ponto de viragem na produção de filmes de Anderson; pelo menos esteticamente, ele o vê entrando em ação e encontrando as convenções que viriam a ser reconhecidas como sua marca registrada.

Antes Rushmore houve o primeiro longa-metragem de Wes Anderson, Foguete de garrafa (1996), onde vemos alguns desses fatídicos Andersonismos: títulos, planos precisos, closes. No entanto, parecem experimentos: ele está mergulhando o dedo do pé em coisas das quais mais tarde não ousaria se desviar. Ele também trabalha com pessoas que se tornariam jogadores frequentes em seus filmes: Luke e Owen Wilson. Mesmo assim, Foguete de garrafa, ao contrário de filmes posteriores como Grand Budapest Hotel, talvez pudesse ser atribuído a qualquer outra pessoa.

Por outro lado, The Royal Tenenbaums, O terceiro filme de Anderson em 2001, parece essencialmente Wes Anderson desde o segundo em que os títulos começam. É filmado tão meticulosamente e perfeitamente espaçado que você poderia desenhar uma linha no meio da tela e tudo ficaria perfeitamente em cada lado dela; suas cores são nítidas, brilhantes e cuidadosamente escolhidas dentro de paletas de cores específicas para o personagem ou cena, seja no banheiro de Margot ou na tenda amarela. Nada em uma cena é acidental; as convenções narrativas são quebradas para fins estéticos, e essa atenção aos detalhes junto com a narração, títulos interscênicos e lugares de entrega esteticamente impassíveis The Royal Tenenbaums entre os trabalhos posteriores como The Grand Budapest Hotel ou Moonrise Kingdom.

Rushmore, no entanto, senta-se confortavelmente entre duas eras de Wes Anderson; Foguete de garrafa quando ele se encontra, e o resto de sua carreira quando sua estética é tão imediatamente reconhecível que é amada ou irritante. Rushmore abre com um elemento de artificialidade - literalmente, com cortinas de teatro que revelam uma placa tanto para o nome da escola quanto para o nome do filme. Mas a partir daí, torna-se menos brechtiano - há palavras na tela para indicar aulas extracurriculares e locais de Max ocasionalmente, mas eles não são tão frequentes ou intrusivos como em filmes posteriores. E embora as fotos ainda sejam precisas, há espaço para alguma humanidade e confusão; os personagens não ficam no centro da tela, mas em algum lugar em que naturalmente fariam na vida real.

Os filmes posteriores de Anderson são notáveis ​​por suas paletas de cores brilhantes específicas e matizes dominantes, evitando completamente os tons sutis. The Life Aquatic é azul e amarelo, The Grand Budapest Hotel rosa e pastel, The Darjeeling Limited é principalmente amarelo. Existem cores que você pode facilmente associar Rushmore, mas podem facilmente parecer tão incidentais quanto com curadoria, como parte do cenário como parte da visão de Anderson. As cores são marinho, vermelhos profundos, laranjas queimadas; colegial e outonal sem ser exagerado - é simplesmente escola no outono. Rushmore As cores - como as folhas no chão - estão presentes, mas não são opressivas; eles não se sentem como se eles estão a narrativa.

via Giphy

Uma marca registrada de Wes Anderson, e algo que é evidente desde Foguete de garrafa, é a entrega impassível e insatisfeita de seus atores. Embora a distância emocional de um assunto frequentemente sério torne seus filmes sombriamente engraçados, ela também pode ser abrasiva e dá a seus filmes a reputação de serem monótonos e sem emoção. Em um filme como The Grand Budapest Hotel, que foi projetada até o último detalhe nos rostos dos atores, essa convenção foi executada além do ponto de paródia, tornando difícil a relação com os personagens. Isso é evidente até certo ponto em The Royal Tenenbaums, mas não em Rushmore; As convenções de Anderson, tanto esteticamente quanto em termos de diálogo, ainda não são tão precisas a ponto de parecerem sem vida.

Um tema-chave em muitos filmes de Wes Anderson é a infância, e os homens que são atrofiados em sua própria adolescência - tudo isso começa com Rushmore. Tanto em Max, que aos 15 anos deseja nunca mais sair da escola, quanto em Herman, que não consegue crescer e luta com uma crise de meia-idade. Anderson coloca crianças e adultos em um campo de jogo equilibrado, respeitando-os igualmente - em seu mundo, ambos podem ser personagens principais e amigos. Max e Herman não têm quase a mesma idade e ambos são incapazes de fazer amigos apropriados, atrofiados em seus próprios modos. Eles não estão em uma competição genuína pelo afeto da Srta. Cross (e não poderia ser legalmente), mas Herman o trata como um igual, com respeito - ele se desculpa por namorar com ela. Este tropo de crianças como adultos - ou pelo menos como personagens principais com a responsabilidade narrativa de adultos - começa em Rushmore e está presente em toda a sua obra, como em Reino do nascer da lua, The Royal Tenenbaums e O Grand Budapest Hotel. Todos são iguais; todos sofrem igualmente.

Rushmore, senta-se confortavelmente entre duas eras de Anderson: Foguete de garrafa quando ele encontra seus pés, e o resto de sua carreira quando sua estética é tão imediatamente reconhecível que eles são amados ou irritantes

Rushmore A habilidade nada Anderson de ser bagunceiro se estende ao diálogo; embora Bill Murray diga suas falas inexpressivas, em sua maior parte, os atores são emotivos. O assunto é realista, pois os personagens lidam com a morte de entes queridos, crescendo e, finalmente, - o que é indiscutivelmente o ponto de Rushmore - aprender a perdoar uns aos outros e compreender que somos todos tão atrofiados, confusos e imaturos quanto uns aos outros, quer tenhamos 15 anos ou quase 50. Rushmore é tão esteticamente agradável quanto qualquer outro filme de Wes Anderson, mas é indiscutivelmente um de seus filmes mais humanos, um que é tanto se não mais sobre os sentimentos e profundezas das pessoas nele quanto sobre os cenários. The Grand Budapest Hotel ou The Royal Tenenbaums às vezes pode parecer uma casa de boneca cheia de recortes 2D. Rushmore ainda é bonito de se olhar, e seus personagens ainda contam emoções sérias e eventos de uma maneira afetada que as remove da experiência às vezes, não é tão especificamente Anderson que exclui qualquer um que não esteja na piada.

Wes Anderson é igualmente reverenciado e criticado por suas técnicas mais reconhecíveis: sua precisão autoconsciente, paletas de cores nítidas, fotos espelhadas, nostalgia dolorida e um distanciamento irônico do assunto. Mas, embora essas convenções sejam discretamente evidentes em Rushmore , não é completamente diferente esteticamente de outros filmes do final dos anos 90. Representa um ponto de inflexão em seu trabalho; uma época em que ele estava começando a aprender exatamente o que é que o torna Wes Anderson. Nos últimos 20 anos, o cineasta criou mundos e comunidades subaquáticas, na Índia, um país fictício do Leste Europeu, na Nova Inglaterra, uma ilha colônia de cães. Rushmore é o último filme dele que parece um pouco corajoso e não curado, como se pudesse realmente ter acontecido - é do nosso mundo, e isso poderia tirar seu charme, mas na filmografia de Wes Anderson, é o que o torna especial.